BUSCAMOS ACTORES PARA NUESTRO NUEVO PROYECTO

Así es, en Bay F estamos preparando un nuevo proyecto y necesitamos actores. Aquí os dejamos el cartel con toda la información. Si estáis interesados no os cortéis y poneos en contacto con nosotros. ¡Pero darse prisa que el rodaje comenzará en pocas semanas!

EL MICRODOCUMENTAL "SUPER SMARTPHONE" EN EL BELLAS ARTES DE SANTANDER

Tras más de 15.000 visitas en youtube y su exhibición en la Biblioteca de Cantabria gracias a ACuCA, el trabajo documental de esta casa, Super Smartphone, se podrá disfrutar en pantalla grande en el Museo Bellas Artes de Santander el día 14 de mayo. Conforme se acerque esa fecha os indicaremos la hora exacta de la proyección.

Para aquellos que estéis interesados os facilitamos a continuación la programación completa del museo para este año:

  -16 de abril: Help de Patxi Gabella y Mi día favorito de Caque Trueba.

  -14 de mayo: Super Smartphone de Nacho Sánchez y Recoprem 10 mg de Fernando Sánchez.

  -10 de septiembre: ¡Beeeee! de Álvaro Oliva y Onírico de Juanjo Haro.

  -3 de Diciembre: Maridos de Sangre de Manuel Ortega y Consuelo Caravilla, del teatro al cine de Paco Ibañez.

Super Smartphone

Por fin, tras la presentación en el Aula Magna de Leioa el viernes 8, Super Smartphone llega a la internet para deleitaros a todos vosotros.

En la proyección del viernes, además, nos acompañaron Jorge Núñez y Marisol Gil, que actuaron de "jurado", valorando el trabajo de todos los grupos que proyectaron sus documentales. 

Además de lanzar el proyecto para que todos lo veáis estamos trabajando en distribuirlo más de lo que se suele hacer con estos trabajos. Ahora mismo Super Smartphone se puede ver en Machacas.org y tenemos una buena noticia: se proyectará en el ciclo de documentalistas cántabros de la Biblioteca Central de Cantabria el día 12 de marzo, junto a otros documentales de la región. Las proyecciones durarán alrededor de una hora y posteriormente habrá un coloquio con los creadores de cada proyecto. Obviamente estaremos ahí y estamos muy contentos de poder participar en el ciclo. 

Estas son todas las noticias que tenemos sobre nuestro nuevo microdocumental así que tan solo nos queda darle paso. 

Esperamos que os guste.

Presentación Microdoc

Equipo de BAY F preparando la presentación del viernes en el Aula Magna de Leioa

Mapa (Elías León Siminiani)

El sábado 12 de enero León Siminiani y Daniel Sánchez Arévalo presentaban en la Filmoteca de Cantabria el preestreno de Mapa. El primer largometraje de Siminiani se estrenará en 2 salas el 25 de enero y está nominado al Goya a mejor largometraje documental.

La incursión en el largometraje del director cántabro viene precedida de varios trabajos anteriores. Cortometrajes y ensayos visuales con un estilo propio muy original son sus precedentes, que le han acompañado de nuevo a la hora de firmar su primer largometraje documental. 

La producción de Mapa ha llevado 5 años de trabajo, la mayoría con el director montando solo en su casa. Un viaje a India, otro de vuelta a España y más de 150 horas de brutos para terminar teniendo un documental de 85 minutos. En una época en la que cada vez se realizan más avances en tecnología (3D, HFR, relaciones de aspecto cada vez más grandes) Siminiani apuesta por una cámara digital y mucha originalidad para realizar un documental más que bueno. No se puede comparar con lo que estamos viendo últimamente.

Mapa cuenta la historia del propio director, de su viaje a India para buscarse a sí mismo, de sus desamores... hasta que al final se encuentra de vuelta en España. Nada más comenzar la película ya hemos conectado con el protagonista y eso que no le hemos visto. Desde el principio la táctica de montaje se nos asemeja a la de sus ensayos Límites y Conceptos clave del mundo moderno, donde una voz en off nos guía por toda la pieza dándole sentido a las imágenes. En Mapa ocurre lo mismo, solo que esa voz se presenta desde un primer momento para presentarnos al personaje. Lo que desde fuera podría parecer un pretencioso y egocéntrico compendio de planos sin conexión se convierte tras el visionado en una especie de catarsis tanto para el espectador como para el propio director, pues el documental relata el propio renacer del protagonista. Y hasta aquí puedo leer. 

La conclusión es simple: con una cámara digital, un micrófono, ideas y tiempo para trabajar se puede hacer cine, y además te puede salir bien.

Si queréis ver Mapa, el 25 de enero se estrena en las salas (menos comerciales), aunque de ganar el Goya podría salir con más fuerza. Desde aquí suerte para Elías.

Everything is a remix (2010-2012) (Kirby Ferguson)

Everything is a remix es un documental dividido en cuatro episodios destinado a evidenciar que toda creación tiene influencias de otras y en ocasiones son remezclas o incluso plagios descarados. Para ello, su realizador Kirby Ferguson divide en cuatro grandes bloques sus teorías y las expone de una manera llamativa. Everything is a remix* es a su vez una remezcla de varias fuentes y utiliza imágenes tomadas de diversos sitios, las cuales usa para servir a sus intereses. En el documental también se hace un repaso a todos aquellos inventos que bebieron de otras fuentes para llegar a convertirse en realidad, desde la bombilla de Edison hasta el primer Macintosh.

La primera parte comienza definiendo el término remix y a continuación se nos descubre la historia de ese término y sus orígenes. En Everything is a remix se aprecia una clara pasión por el cine en el realizador, ya que muchos de los ejemplos de remixes provienen de este mundo. Una voz en off nos guía por el documental aportando toda la información. Además de ello Ferguson se apoya en una importante rotulación y grafismo.

Everything is a remix es de ese tipo de documentales que podríamos definir de archivo. Casi en su totalidad, las imágenes mostradas no han sido creadas para el documental sino que están tomadas de otras fuentes, en este caso, de fuentes provenientes de Internet. Gran parte del grafismo hace referencias constantes al ámbito de Internet y de la informática; como por ejemplo las transiciones mediante pixelización de las imágenes, cartas de créditos inspiradas en la estética de los procesadores de texto de los primeros ordenadores, o juegos míticos como el Comecocos. Por otro lado, aunque las imágenes no sean producto del autor, en este documental se aprecia un notable trabajo con herramientas de diseño gráfico como Photoshop y de diseño en movimiento como After Effects, que es el caso de los innumerables infográficos.

A lo largo de  todo el  documental  y  también  insertado como  bonus track  al  final  de cada parte, Kirby Ferguson  nos ofrece  comparaciones de películas  para que observemos cómo en  la industria del cine en particular, lo del remix está a la orden del día.

*Link a la página oficial: http://www.everythingisaremix.info/about/

Josu Pérez

Draumalandið (Dreamland) (2009)

Dreamland es un documental acerca de los peligros medioambientales a los que se enfrenta Islandia, específicamente, aquellos causados por la explotación de los recursos naturales en aras del crecimiento económico. La película está basada el libro de Andri Snaer Magnason, Dreamland: A self-help manual for a frightened nation, y cuenta con la dirección de  Þorfinnur Guðnason y Andri Snær y la banda sonora original de Valgeir Sigurðsson.

El documental se centra en la explotación del aluminio y en las plantas de electricidad que plagan el país, aunque también repasa la historia Islandesa, la influencia de Estados Unidos después de la segunda guerra mundial, el poder militar de estos y la globalización cultura del consumismo y del miedo. En cuanto a recursos empleados, el documental consta de entrevistas a expertos, imágenes de archivo, narrador en voz over, imágenes paisajísticas grabadas desde helicóptero y gráficos por ordenador entre otros.

Personalmente, no me ha parecido un documental  demasiado interesante.  Con el potencial que tenía la naturaleza Islandesa, es una lástima que Dreamland tome como referente estético un capitulo aleatorio de Informe Semanal. Y el tono quejicoso de todo el documental saca demasiadas veces a la luz un fuerte sentimiento patriótico cargado de antiamericanismo que aparta el posible interés que el espectador pudiera tener por el medioambiente islandés. Culpa suya, entonces, que se empeñe en desviar constantemente la atención entre un tema que el mundo debería ver y otro que el mundo ya tiene demasiado visto.

Seminario postproducción sonido.

Unos días atrás pudimos disfrutar de un nuevo seminario, esta vez centrado en la edición del sonido en postproducción. De un modo más concreto el seminario estuvo enfocado en el uso y manejo de un programa llamado Soundtrack Pro, incluido en el Final Cut Pro, software 'madre' de edición en la universidad. Esta herramienta nos permitirá suplir deficiencias en las tomas de audio en directo, lo que hará de esa labor algo más sencillo y menos estresante pero que no tiene que hacernos descuidar ese aspecto.

El funcionamiento y la interfaz del soundtrack pro es prácticamente calcado al de Final Cut y la sincronización entre ambos es total. El seminario estuvo guiado por la práctica y la aplicación de las diferentes herramientas del programa. Cabe destacar que el manejo es muy sencillo, el uso de las herramientas es muy intuitivo y que los botones elementales son fácilmente accesibles. Al igual que en el Final, en la primera hora sabremos controlar la edición y las herramientas básicas con soltura pero para llegar a sacarle todo el jugo necesitaremos horas y horas de práctica, pruebas y fracasos. Asimismo, tendremos total libertad a la hora de escoger que información queremos que se nos muestre en pantalla. También es importante contar con unos buenos auriculares para poder apreciar todos y cada uno de los matices del audio recogido,  lo que puede suponer la muerte de nuestra economía.

Las opciones del programa son casi infinitas: desde modificar el espectro de frecuencias, pasando por meter ecos y efectos de todos los colores y formas,  hasta poder cambiar la duración de un fragmento de audio sin que el tono de este se vea afectado. Impresionante.

Seminario de sonido con Iñaki Alonso

Hace un par de semanas tuvimos la gran suerte de asistir a un seminario de sonido directo con el profesional Iñaki Alonso. La verdad es que conviene agradecer estas cosas, porque desde BAY F podemos afirmar que en estos seminarios se aprende más que en la mayoría de asignaturas de la carrera, ya sea por el temario, por falta de tiempo o por cualquier cosa.

Si bien no suele hacérsele todo el caso que debería, el sonido es una parte importantísima de nuestros proyectos audiovisuales. Normalmente lo primero que suele adquirir una persona que quiere dedicarse a esto es una cámara, pero las cámaras, ya sean de vídeo o DSLR, no capturan el sonido de forma decente. Para ello necesitamos un micrófono externo, y en nuestra facultad tenemos la oportunidad de contar con un buen equipo de sonido, siempre que el equipo que cojamos esté cuidado. Este seminario sirvió (como bien explicó Iñaki Alonso) para enseñarnos a sobrevivir en lo que a materia de sonido se refiere. Básicamente a explotar el material del que disponemos, además de darnos nociones básicas de sonido.

Iñaki empezó aclarando que lo más importante del sonido directo es capturar los sonidos que de ninguna manera podrían recrearse en postproducción, esto es, diálogos y sonidos propios de cada localización. Habrá otros sonidos que puedan añadirse posteriormente (puertas, pasos…) pero es importantísimo sacar los sonidos importantes claros. También nos desmoronó el mito de la postproducción: no se puede hacer magia, si hay un sonido en medio de una frase y se escucha tendrá que volverse a grabar.

Y para evitar esto es importante la labor de localización. Al igual que el director de fotografía y el director artístico, el sonidista también debe ir a localizar y ver qué tipo de escenarios tienen algún problema, algún ruido que pudiera imposibilitar la grabación de sonido. Haciendo esto nos ahorraremos muchos problemas. Esto hablando de rodajes preparados como para cortometrajes, largos o documentales. Si se trata de un reportaje que tiene que hacerse deprisa y corriendo habrá que conformarse con el sonido que haya (siempre que no tengamos tiempo).

Ahora pasamos al aspecto más técnico, es decir, el del material. En una producción barata no dispondremos del material que tienen las grandes superproducciones, eso es obvio, pero una buena grabación de sonido directo se puede hacer simplemente con un micrófono de cañón con su correspondiente antiviento, una pértiga, un grabador externo multipista si no queremos grabar directamente en la cámara, una sistema de monitorización, o sea, auriculares, y unos cables de conexión, normalmente XLR. En otras producciones se utilizarán lavaliers o micrófonos de corbata, y también sistemas de preamplificación, también llamados previos.

Hay varios tipos de micrófonos, si bien tenemos los dinámicos y los electrostáticos. Los micrófonos también pueden dividirse según su patrón polar, es decir, el ángulo de captación. De esta manera podemos dividirlos en omnidireccionales y bidireccionales. El patrón polar determinará también si son micrófonos cardioides, supercardioides o hipercardioides. En esta imagen se pueden ver sus diagramas polares.

Inciso importante: La pértiga no se puede sujetar de cualquier manera. Teniendo en cuenta que el microfonista tiene que soportar un peso considerable y durante varios minutos, conviene que el peso se cargue en la espalda y no en los brazos. Esto lo conseguiremos colocando la pértiga con los brazos extendidos por detrás de la cabeza, desde luego una postura más cómoda si tienes que aguantar mucho tiempo. Además, el microfonista tiene que moverse con cuidado de que no se oigan los ruidos de manipulación, ya que una vibración podría interferir en la grabación del sonido y echarlo todo a perder.

El tema grabadoras es complicado. Depende de qué cámara tengas y de qué tipo de producción quieras hacer. Siempre es recomendable capturar el sonido de forma externa, ya que da más libertad al microfonista, pero si no puedes, se puede capturar directamente a la cámara que hace de grabadora. En el otro caso hay miles de grabadoras externas, más o menos baratas, dependiendo del presupuesto que tengas. Un ejemplo es la ya famosa Zoom H4N, que tiene dos entradas XLR, además de entrada Jack, posibilidad de grabar en tarjeta SD y varias pistas por separado. Como ésta hay muchas y es cuestión de buscar la que más se asemeje a tu tipo de producción y presupuesto, siempre que tengas claro que vas a grabar por separado.

Por último, un pequeño apunte de los previos o preamplificadores y es que si bien no en todas las producciones nos podemos permitir uno, nuestras cámaras (en el caso de la facultad la Panasonic P2) pueden hacer de previo y lo más importante, puedes conectar la alimentación phantom de 48V.

Para terminar, agradecer de nuevo la presencia de Iñaki Alonso en el seminario y decir que, si quedó alguna duda ese día, podremos disfrutar nuevamente de él en el seminario de postproducción de sonido, que esperamos sea igualmente didáctico. 

Seminario de iluminación con Javier Agirre

El 13 de noviembre tuvimos una clase especial. Javier Aguirre,  quien cuenta con una extensa carrera como director de fotografía (La Pelota vasca, Bi Anai) impartió un seminario extraordinario sobre las técnicas básicas de iluminación. Comenzamos con las nociones teóricas elementales de la luz. Javier explicó con detalle la temperatura de color, la intensidad y la calidad.

En cuanto a la temperatura de color, medida en grados Kelvin, profundizó en la las características de los focos que los alumnos tenemos disponibles y explicó su correcta utilización. Al ser unos focos de temperatura cálida, en torno a los 3200K, es conveniente el uso de gelatinas de distintas opacidades para conseguir una temperatura lo más neutra posible, que sería en torno a los 5000K. Tienen una gran ventaja, y es que son unos focos que no se degradan con el tiempo y no tienen a cambiar de temperatura de color o a desviarla hacia los verdes o los magentas, algo que sí pasa con las luces fluorescentes que no son específicas para el uso en estudio. De usar unas fluorescentes de entorno a 8000Km deberemos usar gelatinas a la inversa, para reducir la temperatura y cambiar ese tono azulado por uno neutro.

La intensidad o la cantidad de luz sirve para destacar los elementos del encuadre. Un sujeto muy iluminado nos llamará más la atención que otro que recibe muy poca cantidad de luz, es por ello que deberemos jugar con los contrastes de los diferentes elementos dentro. En nuestras cámara de vídeo podemos regular la cantidad de luz que entra mediante el diafragma, que abriremos cuando nos encontremos en un entorno oscuro y cerraremos cuando nos encontremos en uno muy luminoso. De esta manera, evitaremos que la información que reciba la cámara este subexpuesta o sobreexpuesta, respectivamente.

La calidad de la luz es el tercer punto que Javier trató.  La luz dura es direccional y potente, produce sombras muy marcadas que sirven para resaltar siluetas y crear altos contrastes. Para suavizar las sombras e imperfecciones podemos rellenar la imagen con luz suave empleando un foco a menor distancia del sujeto y con una mayor superficie iluminante. Esto se consigue instalando un filtro difusor en frente de un foco de luz o mediante el uso de reflectores con los que iluminar al sujeto mediante luz rebotada.

Una vez repasadas las cualidades de la luz, era hora de conocer las técnicas de iluminación. El triángulo es el esquema básico de iluminación. A unos 50º del eje horizontal de la cámara y a unos +45º en el vertical, instalaremos el foco principal, de luz dura. A 180º de este, una contraluz que separe al sujeto del fondo. Y al otro lado del foco principal, un foco secundario. De esta manera, tendremos una escena bien iluminada, con luz de relleno y de volumen. A partir de aquí, podremos experimentar con la escena añadiendo nuevas fuentes de luz de distintas cualidades para conseguir efectos diversos.

Una vez terminada la teoría, pusimos lo aprendido en práctica solucionando dos casos reales, uno en interiores y otro en exteriores. En ellos, Javier nos enseño a utilizar y experimentar con el material que disponemos para conseguir una iluminación óptima allá donde vayamos. Fue una clase ejemplar en la que en Bay F aprendimos un montón y agradecemos tanto a Aintzane como a Javier por hacerla posible.

Presentación de Nacho

Presentación de Josu

Presentación de Jon

Presentación de Sergio

Presentación de Guillermo

Buscando la Luz (Zinebi Express 2012)

MIKEL BADIA (Gaztezulo 2012)

Problemas técnicos durante la grabación y el tránsfer de "Mikel Badia"

Para comenzar esta entrada sobre los problemas durante el rodaje de nuestro cortometraje, decir que de primeras el material facilitado por mailegu dejaba un poco que desear. Un ejemplo, los topes de cierre de las patas del trípode estaban cedidas, por lo que al intentar subir la altura del trípode, éste caía deslizándose hasta abajo impidiendo rodar a una altura mayor. Por suerte, nos dimos cuenta del defecto a tiempo y pudimos cambiarlo. No obstante no tuvimos tanta suerte con la pértiga y no nos percatamos de un problema similar, las roscas estaban, igualmente, pasadas de vueltas, lo que originaba que al grabar el pertiguista tuviera que hacer malabarismos para dirigir el micrófono hacia la fuente de sonido.

Pero más allá de todas las complicaciones que puedan surgir por trabajar con material defectuoso, hay otros inconvenientes generados por la propia tecnología, aunque ésta esté en buen estado. Es el caso del micrófono de cañón, que sin saber muy bien el motivo concreto, grababa demasiado ruido de fondo y resultaba ser bastante menos direccional de lo que nos habían prometido. Otra gran desventaja que afecta notablemente a la captura de la imagen es la propia cámara Panasonic P2HD. Modelo cuyo recurso del famoso enfoque/desenfoque podemos afirmar que brilla por su ausencia, cosa que las réflex que graban vídeo hacen bastante bien. Lo mismo sucede con la sensibilidad del sensor a la luz, mientras que en una réflex podemos modificar el ISO en la Panasonic esta opción no existe, de modo que en cuanto la luz empieza a escasear el rodaje se hace muy complicado, y más si hablamos de rodajes nocturnos con la luz de las farolas como única fuente lumínica, en ese caso es mejor olvidarse y cambiar la localización de la escena. La Panasonic tiene además otro elemento cuya calidad es bastante penosa. Se trata de la pantalla LCD. Se grabe lo que se grabe parecerá que se está grabando mal, con un ruido tremendo y un grano asqueroso. Al pasarlo al ordenador la diferencia es verdaderamente notable.

Otro elemento a tener en cuenta cuando rodamos un cortometraje o cualquier otra cosa en localizaciones exteriores es la climatología. En nuestro caso salimos bastante bien airados puesto que, con la predicción del tiempo en la mano, intentamos distribuir el rodaje en los días que daba buen tiempo. No obstante hubo que improvisar bastante y adelantar en algunos casos las grabaciones para aprovechar los días sin lluvia, lo cual llevó a un cierto desorden a la hora de rodar, ya que no siempre estaban planificadas las tomas que íbamos a grabar. La iluminación y por consiguiente los raccords de luz juegan también un papel importante a la hora de planificar un rodaje en exteriores. En nuestro caso por problemas de disponibilidad de actores al llegar a edición nos encontramos con el problema de tener que montar una escena rodada a diferentes horas y por tanto, con planos con iluminaciones diferentes. Esperemos que en postproducción podamos paliar estos problemas.

Una vez en la sala de edición el mayor problema que hemos tenido ha sido a la hora de transferir el contenido grabado de las tarjetas P2 al ordenador. En concreto, al no tener un disco duro formateado en el sistema de archivos correcto, el programa disparaba un aviso de que los archivos mayores de 4GB (en nuestro caso unos 8GB) podían dar problemas. El formato debía ser NTFS y nosotros lo teníamos en FAT32.

Para concluir, nunca está de más realizar un poco de autocrítica. Por ello queremos mencionar que deberemos seguir trabajando en el aspecto del trabajo en equipo, lo cual es vital para que el rodaje no se convierta en una odisea de discusiones y enfados. 

Pero el próximo proyecto será un nuevo reto y cada uno de los miembros del grupo cambiaremos de rol, por lo que deberemos afrontar e intentar solucionar nuevos problemas y complicaciones.

Crónica: Territorios y fronteras: experiencias documentales contemporáneas (III) Mutaciones en la forma

Del 3 al 5 de octubre se celebra la tercera edición del curso de  cine documental de BizBak Bilbao Arte eta Kultura. Tiene lugar en el edificio de Bizbak, situado en Atxuri y cerca del puente de San Antón. Las organizadoras: Vanesa Fernández y Miren Gabantxo, ambas profesoras del departamento de comunicación en la facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación de la UPV/EHU, confiesan hacer un “esfuerzo sobrehumano para sacar el curso adelante” y llaman a los asistentes “privilegiados”, puesto que asistir a un evento así a precio popular es una “oporunidad única”.

De izquierda a derecha: Andrés duque, Vanesa Fernández, Miren Gabantzo, Virginia García del Pino y Elías León Siminiani. 

Terminada la presentación, da comienzo la conferencia de Andrés Duque, artista originario de Caracas y residente en Barcelona. Andrés Duque, principalmente conocido por su nominación al Goya en la categoría de Mejor Cortometraje con Ivan Z (2004), cuenta con un extenso catálogo de obras, las cuales pueden verse desde su página web.

Andrés comienza hablando de la identidad del creador y de la capacidad de creación de cada uno. Para ello cita en primer lugar a Jaques Derrida. “La escritura es finita, se da un proceso de exclusión en todos los medios”, comenta. “Al escribir seleccionamos lo que no queremos que entre” explica. Un relato tiene limitaciones en tiempo y en espacio, es por ello que seleccionamos. “Si al escribir algo excluimos algo del yo, estropeamos nuestra identidad”, aclara.

Andrés Duque continúa citando a Gilles Deleuze, quien establece bloques de movimiento y duración como límites de creación en cine. Además, Deleuze piensa que nuestras obras también comunican el hecho de qué hacemos en nombre de la creación. Una obra de cine comunica el por qué de hacer cine de sus creadores. Andrés alude a Robert Bresson, ya que en su cine, “no encontramos espacios enteros, sino fragmentos de duración y movimiento, sin conexiones predeterminadas. Se da más importancia al detalle que al fondo”. Andrés destaca el hecho de que Bresson fija toda la atención en las manos,  “Bresson necesita la mano, es la generadora de acciones”.

Maurice Merlau-Ponty tarda poco en ser nombrado. Andrés explica: “El mundo de la percepción es verdadero, el científico es incompleto. El arte, la filosofía y la poesía nos muestran el mundo tal y como es, pero nosotros preferimos verlo a través de conceptos científicos”, citando a Merlau-Ponty. “Existe una gran diferencia entre cómo ven nuestros ojos el mundo y cómo lo procesa nuestra mente”, concluye.

Andrés dedica especial interés en hablar de la pantalla, “no hacemos cine para un público, sino para una pantalla. La pantalla es el objeto esencial de nuestra experiencia cinematográfica”, explica. “El lenguaje está en constante cambio, los medios utilizados deben adaptarse a la forma de narrar” continúa. Andrés hace especial hincapié en las emociones, “la fuente más humana de las cualidades”, aclara.

“Hacer cine significa, en todas sus estancias: informar, reflexionar, crear y seducir”, relata. Posteriormente, Duque trata el límite entre el cine y el vídeo digital, y es que para él, las líneas cada vez son más difusas. La única distinción que podemos sacar en claro es meramente técnica, y para ello cita a Berys Gaut, “El cine digital es el medio de las imágenes en movimiento generadas por bitmaps (mapas de bits)”.  Por supuesto, Andrés también dedicó una importante parte del tiempo a mostrarnos tanto sus trabajos como trabajos ajenos. Entre ellos encontramos Ensayo Final para Utopía y Color Perro Que Huye.

En la segunda jornada, Vanesa realiza una encantadora presentación de Virginia García del Pino, directora de proyectos del Máster de Documental Creativo de la UAB y directora de cine de no ficción. Virginia, conocida por el premiado documental Lo que tu dices que soy, ha trabajado durante años en Barcelona y México y ha producido obras como Mi hermana y yo y Espacio Simétrico.

En su conferencia, Virginia se centra en la figura del espectador, quien también aporta su punto de vista durante la lectura de una obra. “Al hacer una película, yo pienso en el espectador” comenta Virginia, “No en un espectador cualquiera, sino en misma como espectadora”, aclara. Para demostrarlo, Virginia expone un fragmento El idiota (Akira Kurosawa, 1951) y busca las distintas reacciones de los asistentes en la sala. Precisamente, en las reacciones se centra su trabajo de El jurado, en el cual Virginia entra en un juicio aleatorio para grabar en primerísimo primer plano las reacciones de los asistentes al juzgado, capturando una tensión incómoda,  sucia e imperfecta mediante los defectos técnicos de la tecnología digital.

En la jornada práctica, Virginia expone un caso real de un hombre que vivió durante dos décadas engañando a todo su entorno y, partiendo de dicho caso, los alumnos elaboran el tema, el desarrollo y el estilo de cómo trasladarían esa historia al relato cinematográfico. Los resultados son de lo más dispares, y la clase se divide entre hacer una comedia con el sujeto “engañador” como protagonista, un drama sobre la vida en la mentira, e incluso un biopic centrado en… la periodista que sacó el caso a la luz.

También hay espacio para las sorpresas, y Víctor Iriarte y Elías León Siminiani deciden acercarse al lugar para hablarnos de sus trabajos y alguna que otra anécdota personal. Víctor nos presenta su último largometraje: El invisible, y en un acto de generosidad se anima a mostrarnos el inicio del mismo, en el que podemos oír sonidos de lo más dispares mientras algunos mensajes de amenaza hacia el espectador se muestran en pantalla. Por su parte, Elías nos muestra un ingenioso vídeo sobre la ruptura con su novia, su serie de documentales sobre la cultura contemporánea en Nueva York, y su reciente documental del viaje por India.

En definitiva, la tercera edición de Territorios y fronteras: experiencias documentales contemporáneas es un muy agradable y ameno recorrido por los trabajos de los artistas presentes y sobre el cine de vanguardia actual, capaz de hacernos ampliar nuestras miras sobre el audiovisual y centrar una pequeña parte de nuestro interés en “ese otro cine”, que no es poco. Una pena que Isaki Lacuesta no pudiera estar presente. A él, y a todos vosotros, os esperamos ver en las próximas ediciones de este curso documental que, si sigue viniendo de la mano de Vanesa Fernández y Miren Gabantxo, seguro que nos tiene muchas sorpresas preparadas.

Enlaces de interés:

Andrés Duque: 1 2 3 4 5 

Virginia García del Pino: 1 2 3 4 

Víctor Iriarte: 1 2 

Elías León Siminiani: 1 2 3

Isaki Lacuesta: 1 2 3 4 

Cómo afrontar la preproducción de un cortometraje

A la hora de afrontar la producción de un proyecto audiovisual lo lógico es comenzar por la escritura del guion. Una vez escrito comienza la preproducción en sí. Lo primero que debe hacer la persona que se encarga de la producción es leer detenidamente el guion para ver qué es exactamente lo que tiene que conseguir. Vestuario, localizaciones, atrezzo, si se necesita rodar alguna escena en estudio, si hay que crear algún escenario… de todo ello se encarga el equipo de producción.

Además, se encarga de conseguir la participación de todos los miembros del equipo tanto técnico como artístico. Contrata a los actores una vez son elegidos y contrata también al equipo técnico. También prepara desde un principio todo el armatoste de promoción del producto, que comienza desde la preproducción.

Por último, el equipo de producción se encarga también del diseño de la producción, crea el calendario de rodaje y diseña los horarios en los que se basarán las jornadas de trabajo.

Para llevar a cabo todas estas tareas se necesita un amplio equipo si se trata de un gran largometraje, o una sola persona (dos, siendo realistas) si se trata de un cortometraje de muy bajo presupuesto, como los que llevamos a cabo nosotros en este proyecto.

¿Cómo afrontar entonces la preproducción de nuestros proyectos? En primer lugar, escogeremos las localizaciones en colaboración con el director y veremos qué atrezzo y qué tipo de vestuario nos hace falta. Para ello lo mejor es crear listas generales en las que apuntemos todo el vestuario y el atrezzo que necesitamos, además de las localizaciones. También escribiremos qué actores interpretarán a qué personajes después de haberlo acordado con el director. Una vez tenemos todo esto listo y dando por hecho que lo hemos conseguido tenemos que enfocarlo de otra manera, tenemos que ordenar cada elemento de atrezzo y vestuario según las secuencias en las que se necesite. Para ello utilizaremos las hojas de desglose que buenamente se nos han proporcionado en Moodle. Allí encontraremos una buena manera de ver lo que se necesita para cada secuencia.

También tenemos que elaborar el calendario y horario de rodaje, para ello es bueno que ya se haya dibujado el storyboard, para que podamos elegir qué escenas se rodaran primero y cuáles después, siempre teniendo en cuenta las miles de circunstancias que rodean a cada escena, además del raccord.

Una vez sabemos todo, es decir, qué necesitamos, cuándo lo vamos a utilizar, cuánto tiempo (es posible que alguna vez haya que alquilar equipo) podemos elaborar un presupuesto según el ejemplo que se nos ha mostrado en los documentos de la plataforma, siguiendo al pie de la letra las partidas presupuestarias establecidas.

Por último, y espero no dejarme nada, queda solamente el tema “legal”. Firmar acuerdos de colaboración no siempre es necesario, pero puede librarte de posibles males mayores en un futuro. Estos acuerdos de colaboración los podemos encontrar también en Moodle en muchos y variados aspectos, contratos de colaboración desinteresada (estos serán los que nosotros utilizaremos), de colaboración con derecho a un porcentaje, contratos para los guionistas, el director, contratos de derechos de rodaje en localización… todo tipo de plantillas de documentos legales que, si bien pueden no ser exactamente iguales a los que se usan en la realidad, si pueden darnos una idea muy cercana de lo que se usa en las situaciones reales.